М. Силина - Новая пинакотека Мюнхен

• Название: Новая пинакотека Мюнхен
• Автор: М. Силина
• Издательство: Директ-Медиа, Издательский дом Комсомольская правда
• Жанр: Гиды, путеводители
• Год: 2012
• ISBN: 978-5-87107-381-0

Новая пинакотека — художественная галерея в Мюнхене, основанная в 1853 баварским королем Людвигом I, мечтавшим собрать коллекцию полотен лучших современных художников Германии и сделать ее доступной публике. Изначально основу музея составляли картины немецких романтиков, работы художников мюнхенской школы живописи и южно-немецких мастеров. После 1909 экспозиция Новой пинакотеки обогатилась полотнами импрессионистов. Собрание музея продолжает пополняться и до настоящего времени, здесь представлена одна из крупнейших коллекций искусства конца XVIII — начала XX века.

Обложка: Г. Климт. «Музыка». Фрагмент.

---

Наибольшую славу Пьер Огюст Ренуар приобрел благодаря своим портретам. Живописец в типичной импрессионистической манере, сохраняя условность цветовых сочетаний, искал новые средства выразительности. В данной картине он точно соблюдает портретные черты модели, но полностью отказывается от репрезентативной позы. Ренуар изображает Бернара в трехчетвертном ракурсе, отвернувшимся от зрителя. Этим он добивается эффекта случайности, легкости, моментальности впечатления, притом показывая сосредоточенность и самоуглубленность героя, который будто не знает, что на него смотрят. Бернар заглядывает куда-то в папку или сумку, его движение усиливает интригу, создавая иллюзию близости к герою.

Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) Сад Монмартра с видом на строящуюся базилику «Сакре-Кёр» 1896. Холст, масло. 32,6x41,2

Пьер Огюст Ренуар, как и многие великие мастера, на протяжении своей творческой жизни постоянно находился в поиске, не раз меняя стиль, манеру и направления, но оставаясь при этом яркой, цельной личностью.

Представленная картина хорошо передает эволюцию искусства Ренуара. В 1870-х он был одним из лидеров импрессионизма, здесь это нашло отражение в общей фактурности, импрессионистическом характере пейзажа. В 1880-е автор отошел от распыленной формы, отказался от программного преимущества цветовых бликов. Он отдал предпочтение неоклассицистической сдержанности красок, большей самоугубленности работ, пластически ощущаемой композиции. К 1890-м художник последовательно прошел увлечение «перламутровыми», а позже «красными» тонами, что отразилось как в названии авторских стилей мастера, так и в общей палитре его картин. На данном небольшом полотне видно, как свободная, эскизная, беглая манера писать сочетается с отстраненной холодной гаммой, напоминающей средневековый гобелен. Линии рисунка намеренно теряют гибкость, они растворяются в круговороте мазков, размашистых и пластичных. Еще современники, первые поклонники таланта Ренуара, отмечали его любовь изображать переходные состояния, в которых отсутствует определенность настроения и действия. Это дразнило воображение зрителя зыбкостью атмосферы и неуловимостью ощущений.

Арнольд Бёклин (1827–1901) Игра в волнах 1883. Холст, масло. 180x238

Арнольд Бёклин — знаменитый швейцарский мастер эпохи символизма. Этот художник повлиял на образный ряд большинства живописцев своего времени. В начале творческого пути он занимался по преимуществу пейзажами, в которых главными были символическое, многозначно читаемое настроение и передача внутреннего мира автора. После 1860 он начал изображать мифологических персонажей, выражавших пантеистическое начало мироздания. Этот пантеизм очень повлиял на всю эстетику символизма.

Наряду с образом Пана Бёклин часто писал представленных здесь тритонов — морских кентавров, олицетворяющих мужской эрос. Обращает на себя внимание история возникновения данного сюжета. Художник изобразил реальное событие, преобразив лишь символическую канву. Бёклин проводил летний отдых с семьей своего друга, исследователя морских глубин, Антона Дорна на острове Искья, Италия. Во время изучения морского дна Дорн неожиданно выскочил из воды около одной из дам, чем поверг ее в панику. Происшествие отразилось внезапной вспышкой в воображении Бёклина, он перенес этот момент в мир сказочных и опасных морских существ.

Картина поражает своей откровенной реалистичностью, эффектом присутствия. Этому способствует выбранная композиция: буйство, сила волн, без намека на горизонт, отсутствие устойчивой точки, взгляд перемещается с волн на выражения лиц. Тритоны веселятся, наяды беззаботно ныряют, а героиня на первом плане, смотрящая как бы в сторону зрителя, испытывает животный страх, в глазах — надежда на спасение и одновременно ощущение загнанности, тупика. Этот большой холст привлекает внимание полным ощущением нестабильности, даже ужаса и угрозы, которые исходят от него, несмотря на, казалось бы, простой мифологический сюжет.

Винсент Ван Гог (1853–1890) Ткач у открытого окна 1884. Холст, масло. 67,7x93,2

Великий голландский художник Винсент Ван Гог известен своими работами в стиле постимпрессионизма. Они наполнены суровой красотой, эмоциональной открытостью, насыщенным цветом и настойчиво-тревожным вглядыванием в окружающий мир, который одновременно манил и пугал мастера.

Данная картина представляет ранний период творчества живописца, в котором наибольшую известность получили жанровые работы. С 1883 по 1885 он жил в голландском городе Нюэнен. Ван Гог до конца жизни жадно и страстно рисовал все, что видел, поэтому сохранилось множество полотен, изображающих жизнь обывателей города, многочисленные натюрморты и около десятка холстов, на которых запечатлены местные ткачи за работой. Общее для них — колористическая гамма, она всегда сурова и стремится к монотонности, не теряя при этом внутренней силы.

Начав изображать труд ткачей, Ван Гог романтизировал жизнь простых людей: от интерьера на представленной картине веет атмосферой домашнего уюта, романтикой образа простого труженика. Художнику потребовалось около полугода интенсивных сеансов рисования ткачей, чтобы найти удовлетворяющее его решение. Как раз эта работа — одна из двух, венчающих цикл. Ван Гог сопоставляет безымянного ткача с его монотонным трудом и открытое окно, в котором видится манящий автора простор. Поиск своего места в этом мире как художника был для Ван Гога, страдавшего душевными болезнями, не только мировоззренческим, но и насущным, жизненным вопросом. Он придавал большое значение композиции и тому, что изображал, для него это означало способность воспроизведения жизни в огромном и пугающем мире. Эта двойственность восприятия, к которой пришел мастер в данном холсте — отстраненность и растворенность в предмете, — с того времени стала творческой манерой Ван Гога.

Винсент Ван Гог (1853–1890) Подсолнухи 1888. Холст, масло. 92x73

«Подсолнухи» — одна из самых знаменитых картин Винсента Ван Гога. Она поражает своим сочным цветом, фактурностью и особым ощущением жизненной силы. Художник создал ее для украшения своего ателье в Арле в августе 1888, где планировал работать вместе с другим гениальным живописцем — Полем Гогеном. Ван Гог очень просто и подчеркнуто плоскостно нарисовал цветы в вазе. Обращает на себя внимание фон. Мастер использует холодные оттенки бирюзового и теплые тона темно-золотого цветов. В работе, как это было свойственно для творческого кредо художника, проявляются одновременно богатство жизненных сил и трагическая обреченность всего живого на увядание. Он добивается совершенно особого эффекта, наделив обычный летний натюрморт символическим, монументальным звучанием. Эта двойственность восприятия мира всегда привлекала ценителей искусства Ван Гога.

Винсент Ван Гог (1853–1890) Вид на Арль 1889. Холст, масло. 72x92

Винсент Ван Гог — величайший представитель постимпрессионизма. При всей кажущейся простоте холстов он постоянно задает загадки почитателям своего таланта.

На этой картине изображено цветение орхидей в апреле в Арле. Работа воспринимается как пейзаж, а при этом прямо отражает состояние живописца, в котором ясность и простота мировосприятия находились в постоянном конфликте с окружающей реальностью. Все работы Ван Гога читаются двойным способом: как чисто художественное явление, где важны композиция, колорит и сюжет, и как портрет эмоционального состояния самого автора, своеобразная летопись его внутренней жизни. Светлые, теплые тона, преобладание сизо-салатовых оттенков создают особую, ясно читаемую атмосферу нежной весны. Эти тона как будто отвечают процессам цветения, зритель сразу в них погружается. Даже город, который виднеется вдали, превращен в большой огород. Очевидная полнота, с которой представлена идея зарождения жизни, жестоко сталкивается с мотивом невозможности попасть в этот «огород природной щедрости», деревья — будто барьеры, преграды, решетка тюрьмы. Ван Гог всегда уделял большое внимание строению картины, важную роль в его работах занимает наличие или отсутствие пространственного единства композиции. Здесь планы наступают друг на друга, ломают его. Если судить по многочисленным сохранившимся письмам художника, важным образом в его работах предыдущих периодов была фигура пашущего крестьянина, связанного с библейскими аллюзиями засевания почвы. Светлая палитра и небольшие мазки-удары кисти свидетельствуют еще о влиянии импрессионизма, но общая концепция мировоззрения живописца совершенно самобытна.

Винсент Ван Гог (1853–1890) Равнина близ Овера 1890. Холст, масло. 73,5x92

Винсент Ван Гог по праву считается одним из самых ярких представителей французской школы живописи. Именно она стала эталоном мастерства, приемов, стилей и даже образа жизни для мировой художественной сцены XX века. В представленном полотне манера Ван Гога безошибочно узнаваема, каждая картина писалась им как откровение, моментальное, свежее впечатление. Художник писал пастозно, то есть очень густо, скульптурно наносил краску на холст, в этом проявлялась его особая страстность. Он рисовал очень много, это ярко свидетельствует о том, что помимо поиска собственной концепции и создания смысловой и тематической канвы в полотнах, для него существовало извечное желание творить. Неиссякаемой энергией деятельности отмечены все картины гениального автора.