Коллектив авторов - Эти чудные итальянцы

• Название: Эти чудные итальянцы
• Автор: Коллектив авторов
• Жанр: Прочий юмор

Итальянцы — какие они? Этот вопрос вы скорее всего будете задавать себе, готовясь ступить на гостеприимную итальянскую землю. Безусловно, кое-что об этой нации вы уже знаете. Неистовые итальянские футбольные болельщики, знаменитые теноры, кинорежиссеры и, конечно же, эстрадные музыканты Италии широко известны за рубежом. Однако, оказавшись в самой солнечной на свете стране, вы увидите, что к итальянцам нельзя применить какие-либо штампы. Итальянцы всегда разные. Римляне неторопливы и степенны, миланцы деловиты, а неаполитанцы легкомысленны и легки на подъем. Но все же есть черты, характерные для всех итальянцев: итальянцы открыты, гостеприимны, приветливы, их взрывной темперамент никого не может оставить равнодушным.

Итак, мы начинаем путешествие в страну теплого света, пылких чувств, изысканной кухни, великолепных памятников старины… Приятного отдыха!

---

Глава 7. Итальянская музыка

Возрождение

С наступлением эпохи Возрождения в Италии распространяется бытовое музицирование на различных инструментах, возникают кружки любителей музыки. В профессиональной области сформировались две наиболее сильные школы: римская и венецианская.

Главой римской школы стал Джовани Пьерлуиджи да Палестрина — один из крупнейших композиторов века. С детства он пел в церковном хоре, а позже был приглашен на должность капельмейстера (руководителя хора) в соборе Святого Петра в Риме, затем служил в Сикстинской капелле (придворная часовня Папы Римского).

Рим, центр католичества, привлекал многих ведущих музыкантов. В разное время здесь работали нидерландские мастера-полифонисты Тийом Дюфа и Жоскен Депре. Их сложная композиторская техника иногда мешала воспринимать текст богослужения: он терялся за изысканными сплетениями голосов, и слова по сути не были слышны. Поэтому церковные власти настороженно относились к подобным предприятиям и выступали за восстановление одноголосия. Этот вопрос обсуждался даже на Триденстском соборе католической церкви. Будучи приближенным к Папе Римскому, Палестрина убедил его в том, что создать произведения, где композиторская техника не будет препятствовать пониманию текста, не так уж сложно. В доказательство он сочинил Мессу Папы Марчелло. В 80-х гг. 14 в Палестрина принял духовный сан, а в 1584 г. вошел в состав Общества мастеров музыки — объединения музыкантов, подчинявшегося непосредственно Папе Римскому.

Другое направление музыки того времени связано с творчеством композиторов венецианской школы, основоположником которой стал Адриан Вилларт. Он и его последователи разрабатывали пышный хоровой стиль. Чтобы достичь объемного звучания, игры тембров, они использовали в композиция несколько хоров, размещенных в разных местах храма. Применение перекличек между хорами позволило наполнить церковное пространство небывалыми эффектами. Такой подход отражал гуманистические идеалы эпохи с ее жизнерадостностью, свободой и собственно венецианское художество со всем его стремлением к яркому и необычному. В творчестве венецианских мастеров уложился и музыкальный язык: он наполнился смелыми сочетаниям аккордов, неожиданными гармониями.

Музыка Италии XVII–XVIII вв.

В конце XVI в. в Италии сложился художественный стиль барокко, что значит «странный», «причудливый». Этому стилю присущи выразительность, драматизм, зрелищность, стремление к синтезу разных видов искусства. Новые черты в полной мере проявились в опере, возникшей на рубеже XVI–XVII вв.

С 1579 по 1592 гг. в доме графа Джованни Барди собирались просвещенные любители музыки, поэты, ученые, певцы и композиторы: Якопо Пери, Джумо Каччини, Винченцо Галилей. Их волновало развитие музыкального искусства. Его будущее они видели в соединении музыки и драмы.

Ранее флорентийские оперы сочинялись на сюжеты из античной мифологии. Первые дошедшие до нас произведения нового жанра — две оперы под одинаковым названием «Эвридика» композиторов Пери и Каччини. Созданы они на сюжет мифа об Орфее.

Опера стала быстро развиваться прежде всего как придворная музыка. Она была обязательным атрибутом могущества и богатства. В крупных городах Италии: Риме, Флоренции, Венеции, Неаполе — сложились свои оперные школы.

Лучшие черты разных школ: внимание к поэтическому слову (Флоренция), серьезный духовный подтекст действий (Рим), монументальность (Венеция) — соединил в своем творчестве Клаудио Монтеверди.

В творчестве Монтеверди гармонично сочетаются музыка и текст. Он писал не только оперы, но и духовную музыку, религиозные и светские мадригалы. В XVIII в. опера стала основным видом музыкального искусства в Италии, чему способствовал высокий профессиональный уровень певцов, обучавшихся в консерваториях. Значительны достижения музыки Италии XVII–XVIII вв. и в области инструментальных жанров, а для развития органного творчества много сделал композитор и органист Джироламо Фреснобальди.

Достигло расцвета и скрипичное искусство. Потомственные мастера семейств Амати, Гварнери, Страдивари разработали конструкцию скрипки и способы изготовления, которые хранились в глубокой тайне.

Скрипичную итальянскую музыку на весь мир прославил Антонио Вивальди. Особого мастерства композитор достиг в жанре «Большого концерта». Его музыка, динамичная и яркая, завораживала слушателя. Он часто включал в музыку диссонансы, смешивая звуки различных инструментов, что поистине было новаторством в области музыки.

Итальянская опера в XIX в.

В первой половине XIX в. под влиянием романтизма традиционные жанры итальянской оперы, сложившиеся на рубеже XVII–XVIII вв., изменились. Опера-серима превратилась из «концерта в костюмах» в повествование о любви; при этом сохранялась важная особенность жанра — виртуозность вокальных партий. В это время выделяются такие композиторы, как Виниецо Беллини (1801–1835 гг.) («Корма», «Сомнамбула», «Пуритане»); Гаэтано Доницетти (1797–1848 гг.) («Лючия ди Ламмермур», «Любовный напиток»).

Творчество этих композиторов завершает период, когда в итальянской опере господствует стиль бельканто. Красота голоса, техническая виртуозность считались самостоятельными ценностями; сюжет произведения автор часто подчинял личности артиста и его вокальным способностям. С середины XIX в. более значимыми стали действие, психологическая убедительность. Голос певца начал восприниматься как средство, раскрывающее внутренний мир героя, а виртуозность перестала быть самоцелью.

Новый для Италии вид оперы создал Джузеппе Верди (1812–1901 гг.). В своем творчестве он обратился к реализму, и его лучшие произведения можно назвать реалистичной музыкальной драмой, сохранившей вместе с тем черты романтизма (это своего рода романтический реализм). Сложные психологические ситуации в них показаны многосторонне и красиво, переданы сокровенные движения душ героев. Однако глубина замысла никогда не мешала композитору дать исполнителю возможность эффектно показать техническое мастерство, взять коронные верхние ноты, красиво выступить на сцене.

В ранний период творчества Верди (40-е гг.) существовали два направления в его творческих поисках. Первое — героико-романтическое («Кабукко», «Ломбардцы в первом крестовом походе», «Битва при Леньяно»). В этих произведениях жизнь главных героев тесно связана с историческими событиями, борьбой народа за независимость. В это время в Италии широко развернулось движение за объединение государства и освобождение северных провинций от австрийского владычества. Движение получило название Рисорджименто, что в переводе с итальянского означает «возрождение». Второе направление в творчестве Верди — психологическое («Макбет», «Луиза Миллер»). В зрелом периоде творчества Верди размышляет о возможности человека противостоять злу, которое живет в окружающем мире и в нем самом: «Риголетто», «Трубадур», «Дон Карлос», «Бал-маскарад». Верди сохранил традиционное для итальянской оперы деление действий на номера, но сумел добиться тесной связи между ними, сделать развитие событий динамичным, а композицию стройной.

В последний период творчества Верди написал две оперы — «Отелло» и «Фальстаф». В творчестве Верди соединялись смелое новаторство и уважение к традициям.

Судьба итальянской оперы в XIX в. складывалась непросто. Итальянские труппы работали практически во всех европейских столицах; они неизменно собирали полные залы и нередко пользовались покровительством монархов. Однако музыкальная общественность стран Европы часто относилась к такой популярности с предубеждением. Считалось, что итальянская оперная школа препятствует развитию национальных школ. Такой взгляд мешал объективно оценить прекрасное качество музыки.

«Ла Скала»

«В истории оперы нет другого оперного театра, столь же почитаемого, столь же часто копируемого, столь же часто упоминаемого в качестве эталона для сравнения, как «Ла Скала». Но «Ла Скала» — это отнюдь не только красивое место для оперных постановок, это самый символ оперы — итальянской оперы», — писал Генри Саймон. Поэтому открытие в 1946 г. восстановленного театра, который был разрушен во время бомбежки в 1943 г., было великим событием.

«Ла Скала» начали строить в 1776 г. по проекту архитектора Джузеппе Пьермарини, на месте Санта-Мария делла Скала (откуда театр получил свое название). Закончилось это строительство в 1778 г. Для открытия нового театра, которое состоялось 3 августа 1778 г., Антонио Сальери специально сочинил оперу «Узнанная Европа».

До конца XVIII в. на сцене «Ла Скала» ставились также драматические спектакли, и только в начале XIX в. театр стал исключительно оперным. В 1812 г. на его сцене прошла премьера оперы Россини «Пробный камень», ставшей первой из опер Россини в истории театра. С 30-х гг. XIX в. история «Ла Скала» связана с творчеством Г. Доницетти, В. Беллини, Дж. Верди. Во II половине XIX в. на сцене «Ла Скала» исполняются произведения зарубежных композиторов. Именно в «Ла Скала» впервые в Италии были поставлены «Фауст» Гуно, «Парсифаль» Вагнера, «Евгений Онегин» и «Пиковая дама» П. Чайковского, «Хованщина» М. Мусоргского.