О. Киташова - Музей изящных искусств Бильбао

• Название: Музей изящных искусств Бильбао
• Автор: О. Киташова
• Издательство: Директ-Медиа, Издательский дом Комсомольская правда
• Жанр: Гиды, путеводители
• Год: 2012
• ISBN: 978-5-87107-449-7

«Сто лет истории, десять веков искусства» — под этим слоганом Музей изящных искусств в Бильбао отпраздновал в 2008 году свой столетний юбилей. Он обладает коллекцией из более чем восьми тысяч экспонатов, охватывающей период с XII века до современности, и является одним из ведущих музеев Испании, а также вторым по посещаемости (после Гуггенхайма) в городе.

Обложка: X. Эченагусиа. «Самсон и Далила». Фрагмент.

---

Изображая кающуюся Марию Магдалину, Хусепе Рибера отказывается от использования многих излюбленных приемов. В большинстве произведений он старался отойти от какой-либо идеализации изображаемых сцен и героев. Художник стремился к подчас грубой правдивости, избирая персонажами своих полотен людей из простонародья и не скрывая, а, наоборот, лишь подчеркивая живописными средствами характерность их внешности. Кроме того, сюжетами для картин мастер выбирал наиболее напряженные моменты из жизни святых — мученичества и казни — и не пренебрегал тягой к натурализации.

В этом произведении все совсем иначе. Сцена с кающейся грешницей лишена эмоционального накала и драматичности. Напротив, Рибера создает утонченный и нежный лирический образ. Считается, что моделью послужила его дочь Мария-Роза. Облик девушки рождает ощущение очень тихого, умиротворенного внутреннего раскаяния. Ее спокойствию вторят приглушенные тона, использованные Риберой для изображения одежды и окружающей среды. Находящийся в нижней правой части картины сосуд является атрибутом Магдалины в живописной традиции, указывающим на ее принадлежность к женам-мироносицам.

Художник создал как минимум два варианта этой работы. Датируемая 1640 копия «Кающейся Марии Магдалины» хранится в музее Прадо в Мадриде.

Питер Франс де Греббер (около 1600–1653) Музыканты. Около 1620–1623. Холст, масло. 91x73,7

Питер Франс де Греббер — один из художников золотого века голландской живописи, работавший в разнообразных жанрах. Его живописный стиль берет исток в творчестве Рубенса, Рембрандта и утрехтских караваджистов.

Несомненное влияние последних прослеживается в картине «Музыканты». Многочисленные работы, изображающие музицирующих молодых людей, широко распространились по всей Европе после того, как этот сюжет впервые был выделен в самостоятельное произведение у Караваджо. Все они, в том числе и полотно де Греббера, строятся по схожей схеме, ориентирующейся на ранний, «светлый» период творчества великого мастера: несколько фигур или полуфигур (чаще всего, не более трех) большого масштаба помещаются на передний план и заполняют собой основную часть полотна. При этом среда, в которой происходит действие, условна — элементы пейзажной или домашней обстановки практически отсутствуют. Караваджисты избирают героями своих работ людей простонародного типажа и, не вдаваясь в глубокую личностную характеристику персонажей, концентрируются лишь на передаче их принадлежности к определенной прослойке общества. Хорошая освещенность фигур, выбор ярких и насыщенных цветов в сочетании с сюжетом идеализируют сущность обыденных человеческих радостей.

Орацио Джентилески (1563–1639) Лот и его дочери 1628. Холст, масло. 226x282

Орацио Джентилески — один из наиболее значительных последователей Караваджо в Италии. В своем зрелом творчестве он несколько отошел от караваджизма, натурализм которого никогда не был ему близок, и под влиянием тосканской школы живописи развил собственную манеру, в ней светлые и мягкие тона способствовали созданию лиричных и утонченных образов.

В Ветхом Завете содержится история о Содоме и Гоморре — городах, уничтоженных Богом за грехи жителей. Один из них, праведник Лот, был предупрежден ангелами, поэтому ему и его дочерям удалось бежать из горящего города и укрыться в пещере. Решив, что никого из мужчин не осталось в живых, девушки напоили отца вином, чтобы соблазнить с целью продолжения рода. Полотно Джентилески отражает момент, когда сестры уже совершили задуманное: из брошенного на землю кувшина вытекают последние капли напитка, а Лот спит на коленях одной из дочерей.

Наиболее интересным в картине является цветовое решение. На фоне сглаженных серовато-коричневых оттенков, с помощью которых написана пещера, кульминационно выделяются одежды героев. Сильные и насыщенные бордовый, желтый и синий неизбежно притягивают внимание к происходящему в центре полотна. Взаимодействие персонажей сочетается с цветами одеяний, которые также гармонируют с мягким, молочно-белым оттенком их кожи.

Якоб Йорданс (1593–1678) Сатир, играющий на дудочке. Около 1638. Холст, масло. 99x150,5

Образ сатира можно считать определяющим для творчества фламандского художника Якоба Йорданса. Это мифологическое существо часто становилось героем картин живописца. Но, даже когда его непосредственного присутствия не наблюдается, в произведениях мастера сохраняется дух веселого, беззаботного, шумного праздника, рождающего ассоциации с дионисийскими торжествами древних греков, на которых непременным условием было присутствие сатиров, входящих в свиту Вакха.

В отличие от негативной трактовки, принятой в Средневековье, когда сатир отождествлялся с распутством и считался прообразом сатаны, Йордане ставит его в основу своего оптимистического взгляда на жизнь, делая условным символом для обозначения всех земных радостей. Поэтому данная картина, являющаяся, предположительно, подготовительной работой для произведения на сюжет «Воспитание Юпитера», больше всего напоминает самостоятельный дружеский портрет. Мужицкий вид сатира, включающий такие непременные детали образа, как толстый живот, волосатые козьи ноги и рога, выглядывающие из-под всклокоченных волос, не вызывает отторжения.

Дух лесов и гор изображен в своей привычной среде обитания, причем его центрально размещенная фигура значительно доминирует над пейзажем, что указывает на господское положение персонажа. В то же время в нем нет ничего от надменного властителя. Созвучное колористическое решение, состоящее в основном из теплых коричневатых оттенков, использованное для героя и окружающей его природы, свидетельствует, что они сосуществуют в нерасторжимой связи, составляют единое целое.

Антонис ван Дейк (1599–1641) Оплакивание Христа. Около 1634–1640. Холст, масло. 156,5x256,7

Антонис ван Дейк известен прежде всего как придворный портретист английских королей Якова I и Карла I. Этот фламандский художник барокко также создавал произведения на мифологические и религиозные сюжеты.

Он родился и вырос в Антверпене. Начав заниматься живописью в юном возрасте, ван Дейк вначале учился у Хендрика ван Валлена, а позже стал главным помощником знаменитого фламандца Питера Пауля Рубенса в его мастерской. Именно крупномасштабные алтарные образы, подобные этому «Оплакиванию Христа», демонстрируют всю силу влияния Рубенса на своего ученика. Ван Дейк использует ту же размашистую, подвижную манеру письма, будто освобождая кисть из-под контроля и тем самым привнося в картину выразительную драматичность. В то же время для мастера гораздо более важным, чем рубенсовское создание динамики с помощью мощных пластических масс, стало обращение к психологическому состоянию персонажей. Призвание портретиста привело его к индивидуализации переживаний каждого из героев, выявлению своеобразия испытываемых ими чувств. Наиболее выразительными становятся именно лица персонажей и жесты рук, обеспечивающие взаимодействие фигур друг с другом.

Колорит полотна свидетельствует о приверженности ван Дейка к идеалам венецианских мастеров Высокого Возрождения, в частности Тициана. Художник использует широкую цветовую палитру, превращающуюся на холсте во множество переливающихся мерцающих оттенков, акцентирующих композиционное решение.

Франсиско Сурбаран (1598–1664) Святая Елизавета Тюрингская. Около 1635–1640. Холст, масло. 125x100,5

Данная картина относится к серии полотен с женщинами-святыми, которая была написана Франсиско Сурбараном совместно с мастерской. Моделями для художников служили знатные севильянки.

Изображая их в роскошных одеждах и с едва заметной золотистой линией над головой, обозначающей нимб, живописец отходит от прямолинейной, дидактической трактовки святости и сводит к минимуму демонстративную религиозность. Образы его святых дев далеки от аскетической интерпретации. Сурбаран использует все мастерство работы с цветом, светом для создания фактур великолепных одеяний, украшенных золотым шитьем, драгоценностей, нежной кожи и мягких волос девушек. Следует отметить, что для святой Елизаветы Тюрингской, жившей в XIII веке, подобное платье может являться одним из типичных атрибутов, поскольку она была принцессой из венгерской династии Арпад. Принадлежность к королевскому дому также обозначена короной на ее голове. После смерти мужа Людвига, ландграфа Тюрингии, женщина вступила в орден францисканцев. Святая известна благодаря ее милосердию. Живя в абсолютной бедности, она посвятила себя помощи больным и неимущим. В Марбурге Елизавета основала больницу и сама ухаживала за пациентами. Часто раздавая хлеб бедным, она прославилась как покровительница пекарей. На данной картине на это указывают колосья пшеницы.