И. Деспот-Юрасовская - Музей Леопольда Вена

• Название: Музей Леопольда Вена
• Автор: И. Деспот-Юрасовская
• Издательство: Директ-Медиа, Издательский дом Комсомольская правда
• Жанр: Гиды, путеводители
• Год: 2012
• ISBN: 978-5-87107-395-7

Музей Леопольда был создан на основе частного художественного собрания. Здесь хранится крупнейшая коллекция картин Эгона Шиле, прекрасно раскрывающая творчество этого великого художника и одного из виднейших графиков австрийского экспрессионизма. В музее представлены знаменитые произведения выдающегося живописца Густава Климта, а также работы Оскара Кокошки, Антона Колига, Альфреда Кубина, Коло Мозера, Фердинанда Георга Вальдмюллера, Йозефа Гофмана, Рихарда Герстля и многих других мастеров.

---

Замечательным примером импрессионизма Шуха является картина «Горный ручей с валунами». В пейзаже все внимание сосредоточено на игре солнечного света и тени. Художник с особым интересом исследует способы наложения теней — от резких черных до спокойных неглубоких.

Густав Климт (1862–1918) Пруд в парке замка Каммер 1899. Холст, масло. 75,1x75,1

К началу XX века эпоха больших, классических художественных движений завершилась. Ушли в прошлое реализм, символизм и импрессионизм, их традиции развивались в новых эстетических концепциях. В творчестве стало преобладать индивидуальное начало, свободно использовались разнообразные художественные приемы, передающие форму, пространство, динамику, цвет и свет. В художественной культуре появилась тенденция к разграничению изобразительного искусства на массовое, салонное, приспосабливающееся к обыденному сознанию, и элитарное, родившееся в результате большой творческой работы. Формообразование внутри этого синтетического стиля происходит за счет отказа от прямых и углов в пользу более естественных, «природных» гибких линий. Для живописи модерна характерно плоскостное решение, в котором доминирует орнаментальность, тяготеющая к флоральным мотивам. Колористическая схема выстраивается на базе локальных цветов. Таким образом, объемы сливаются с плоскостью, пространство лишается глубины, а фигуры и предметы — массы.

Густав Климт (1862–1918) Слепой 1896. Холст, масло. 66x53,2

Творческий путь Климта начался, когда он в 14 лет получил государственную стипендию на обучение в Венской школе искусств и ремесел, где его преподавателями стали австрийские художники Михаэль Ризер (1828–1905), Людвиг Миннигероде (1847-1930) и Карл Граховина (1845–1896). С самого начала стало очевидно, что юношу ожидает успех. Вместе со своим младшим братом Эрнстом Климтом и другом Францем Матчем он в 1879 организовал артель «Kunstlercompagnie». В том же году это содружество получило большой заказ на художественное оформление действ, проходящих в связи с серебряной свадьбой императора Франца-Иосифа и императрицы Элизаветы. В следующем году живописцы занимались росписью потолка купален в Карлсбаде, за чем последовали и другие общественные заказы. Тем не менее этот союз распался.

В период с 1891 по 1897 Климт состоял в Содружестве художников Вены, бывшем на страже консервативных принципов академизма. Осознав несоответствие собственных творческих стремлений с программой Содружества, некоторые мастера во главе с Климтом покинули его. Так в 1897 на свет появляется новое движение, получившее название «Сецессион» (от латинского «secession» — «уход»). Климт стал его главой. После двух выставок, проведенных в 1892, Сецессион начал пользоваться огромным успехом, а у его членов появились средства на то, чтобы построить собственный центр. Таким образом, в 1897–1898 участником движения, архитектором Йозефом Мария Ольбрихом (1867–1908) был возведен выставочный павильон Венского Сецессиона, ставший одним из наиболее значимых архитектурных памятников австрийского модерна.

С появлением Сецессиона Климт полностью отказывается от изобразительного языка академизма и реализма, чем лишается поддержки и одобрения консервативного большинства венского общества, а главное — покровительства императора. Работы, которые он выполнял на заказ, стали причиной скандалов, так как художник демонстрировал результат, совершенно противный ожиданиям. Подобные ситуации возникали, несмотря на то, что творчество Климта, исполненное чувственности, эротизма, получило высокую оценку в Париже.

Густав Климт (1862–1918) Озеро Аттерзее. Около 1901. Холст, масло. 80,2x80,2

Пейзажный жанр, к которому Климт обратился в конце 1890-х, занимал особое место в творчестве мастера. Его картины природы мрачны, исполнены меланхолии и тоски, но в них нет отрицания красоты и гармонии. Напротив, в его пейзажах присутствует момент любования природой, которую Климт рассматривает как организм, живое существо. Кажется, что на холстах мастера она отражает его самые потаенные мысли и чувства. Поэтому с природой художник предпочитает общаться один на один — на его пейзажных полотнах нет изображений людей, они пронизаны чувством спокойствия и изолированности. В них нет черт исключительной оригинальности, но они, тем не менее, узнаваемы.

Пейзаж «Озеро Аттерзее» имеет необычную композицию. Холст больше чем на три четверти «залит» водой. Лишь в самом верху картины Климт изобразил другой берег, укутанный плотной дымкой, и огромные валуны, тонущие в водах озера. Короткими интенсивными мазками художник обозначил течение воды, рябь.

Густав Климт (1862-1918) Приближение грозы (Большой тополь II) 1903. Холст, масло. 100,8x100,7

Выстраивая композицию своих пейзажей, Климт часто сильно завышал линию горизонта либо сильно понижал ее. Это наглядно демонстрируют холсты, представленные в коллекции музея Леопольда. Техника мастера в этом жанре — размытые очертания мазков, тяготение к мозаичности и орнаментальности — имеет сходство с манерой, в которой писали импрессионисты и постимпрессионисты. На его ранние пейзажные опыты, к каким относится «Большой тополь II», наложило отпечаток творчество Моне. Однако как пейзажист Климт предложил вдохнуть в импрессионизм дух символизма.

Густав Климт (1862–1918) Набросок для Юдифи II 1908. Бумага, карандаш, черный мел, гуашь. 54,2x34,5

Графика не рассматривалась Климтом в собственном творчестве как самостоятельный вид изобразительного искусства. В основном графические произведения мастера носят подготовительный характер. Зачастую они могут неузнаваемо отличаться от полотна, для которого рисовались. Будучи заслуженным художником при жизни, Климт имел возможность окружить себя молодыми прекрасными моделями. Тщательно продумывая все детали своих картин, мастер делал множество набросков, моментально фиксируя ту или иную показавшуюся интересной позу натурщицы. Затем он пробовал изобразить ее в различных ракурсах до тех пор, пока не находил тот единственный вариант, который отвечал художественному замыслу будущего произведения.

К таким графическим работам Климта относится и набросок для полотна «Юдифь II» (1909, Галерея современного искусства, Венеция). В финальном варианте нет ни следа от того энергичного движения, которое можно увидеть в наброске, но в нем становится явной отправная точка в работе над новым образом Юдифи. Рисунок изображает танцовщицу фламенко, развернутую к зрителям в трехчетвертном обороте. Ее корпус чуть наклонен вперед. Контраст между белой кожей и черным платьем героини, отороченным красным кружевом, нарочит.

Набросок представляет особый интерес, так как за всю жизнь Климт выполнил в цвете всего несколько графических листов. И этот рисунок — один из них.

Густав Климт (1862–1918) Смерть и жизнь 1910–1915. Холст, масло. 180,5x200,5

Большое полотно Климта под названием «Смерть и жизнь» представляет образ «беспощадного жнеца», оскалившегося в злобной ухмылке и пристально взирающего на аллегорическое изображение Жизни. Композиция состоит из двух объемов, данных на плоском темно-сером фоне. Жизнь занимает почти полностью правую половину холста, Смерть же ютится в левой четверти композиции. Обобщенный образ Жизни видится художником как гора из сплетенных разновозрастных тел — от младенчества до старости. Таким образом Климт передает непрерывность жизненного цикла, подчеркивая ее орнаментом. Сцена производит двоякое впечатление: с одной стороны, она исполнена покоя, а с другой, при взгляде на нее возникает чувство смутной тревоги.

Картина «Смерть и жизнь» была отмечена призом на Международной художественной выставке, проходившей в 1911 в Риме, но это не помешало Климту, не удовлетворенному плодом своих трудов, в 1915 приступить к ее переделке, невзирая на то что полотно уже давно висело в раме. Первоначально фон был золотым, а орнамент, декорировавший ткань, таким же, как у Жизни. Темные одежды, в которые облачена Смерть, в финальной версии украшены черными крестами.

Коломан Мозер (1868–1918) Бархатцы 1909. Холст, масло. 50,3x50,2

Венский сецессион в коллекции музея Леопольда представлен не только произведениями Климта. Коломан Мозер (известен также как Коло Мозер) — художник, проявивший себя в самых разных областях искусства, внес большой вклад в развитие сецессиона в Австрии. Его талант был универсальным: помимо живописи мастер занимался графикой, декоративно-прикладным искусством, дизайном одежды.

В 1885 Мозер поступил в Венскую академию изобразительных искусств. Его преподавателями в разные годы были австрийские живописцы Франц Румплер (1848–1922) и Матиас фон Тренквальд (1824–1897), а также немецкий художник Кристиан Грипенкерл (1839–1912). С 1888 Мозер занимался иллюстрациями для журнала венской моды и юмористического еженедельника. Во время обучения в Школе искусств и ремесел (1893–1895) он стал учеником Матча, который когда-то был компаньоном Климта в «Kunstlercompagnie».