Т. Акимова - Музей истории искусства Вена

• Название: Музей истории искусства Вена
• Автор: Т. Акимова
• Издательство: Директ-Медиа», Издательский дом Комсомольская правда
• Жанр: Гиды, путеводители
• Год: 2012
• ISBN: 978-5-87107-267-5

Музей истории искусства в Вене — крупнейший художественный музей Австрии, созданный в 1891 году на базе коллекций дома Габсбургов. Богатейшая картинная галерея хранит лучшие работы П. Брейгеля Старшего, а также произведения великих мастеров — Джорджоне, Тинторетто, Тициана, Веласкеса, Дюрера, Рембрандта, Рубенса. Здесь собраны восточное и античные древности, скульптура и декоративное искусство, монеты, медали, печати, оружие, экипажи, музыкальные инструменты.

Обложка: Б. Беллотто. «Вид Вены с Бельведера». Фрагмент.

---

«Мадонна в зелени» была написана двадцатидвухлетним Рафаэлем для друга, патриция Таддео Таддеи, который, по словам Вазари, всегда был рад видеть художника «и в своем доме, и за своим столом». В тот период молодой мастер создает несколько картин, изображающих юную и прекрасную Деву Марию с Младенцем Христом и маленьким Иоанном Крестителем на фоне живописного пейзажа. Основная тема всех этих замечательных работ, навеки прославивших своего создателя как великого «мадоньеро», — возвышенная, светлая материнская любовь, порождающая красоту и гармонию мира.

Создавая композицию картины «Мадонна в зелени», Рафаэль стремится достичь идеального равновесия пластических форм, передать ощущение совершенной завершенности и в то же время естественности представленной сцены. Художник умело вписывает фигуры в форму равностороннего треугольника. Плавные, скругленные линии контуров объединяют образы молодой матери и играющих детей в целостную группу, соразмерную и ритмически согласованную с тающим в голубоватой дымке пейзажем. Облик Девы Марии отличается благородной и величавой красотой. Идеальный, просветленный образ, исполненный душевного мира и покоя, удивительно гармонирует с поэтической тишиной и ясностью весенней природы. Рафаэль в этой работе в полной мере проявил присущий ему колористический дар: чистые и сочетающиеся оттенки алого платья и синего плаща Мадонны, золотисто-оливковой зелени полей и серо-голубых далей созвучны общему созерцательно-умиротворенному настроению картины.

Джованни Беллини (Джамбеллино) (1430(?)-1516) Молодая женщина за туалетом 1515. Дерево, масло. 62x79

Прославленному венецианскому художнику Джованни Беллини было больше восьмидесяти лет, когда он написал картину «Молодая женщина за туалетом». К этому времени уже сложился стиль его великих учеников — Джорджоне и Тициана. Возможно, их работы вдохновили пожилого живописца обратиться к столь редкой для его творчества теме: изображению обнаженного женского тела.

Формально простой светский мотив не имеет мифологической основы, однако сдержанно-величавую красавицу, поправляющую перед зеркалом прическу, вполне можно принять за античную богиню. Совершенство форм и гармония духа молодой женщины, поэтически возвышенная атмосфера произведения позволяют предположить, что здесь представлен очень популярный в искусстве Высокого Возрождения аллегорический сюжет — Венера перед зеркалом.

Иносказание было призвано напомнить о призрачности и хрупкости земной красоты перед лицом быстротечного времени. Если дважды изображенное зеркало — символ иллюзии и обмана, то природа, простирающаяся за окном, — образ вечности, в которой незримо пребывает Бог. Верный венецианским традициям, Беллини использует цвет как средство для передачи гармонии человеческой фигуры и пейзажа и создания ощущения единения внутреннего и внешнего миров. Тончайшей, едва уловимой линией художник рисует белоснежное тело женщины. Плавные переходы светотени деликатно и точно моделируют объем. Колористическая гамма строится на соотнесении звучных синих, желто-зеленых и нежно-розовых тонов. Живописец находит очень удачные цветовые сочетания: карие глаза девушки и золото ее пышных волос, густая синева головного платка и голубизна небес, розоватая ткань и малиновые узоры ковра. Работа наполнена тишиной и покоем. Нежная героиня молчалива и задумчива, тих чудесный пейзаж за окном, застыл даже светоносный воздух — весь мир, упоенный красотой, замер и пребывает в глубоком созерцании.

Джорджоне (1476/1478(?) — 1510) Женский портрет (Лаура) 1506. Холст, перенесенный на доску, масло. 41x33,6

Джорджоне, итальянский живописец, один из основоположников искусства Высокого Возрождения, родился в Кастефранко, в Венето, близ Венеции. С этим городом связано его творческое становление и развитие. К 1506–1507 художник уже выработал собственную зрелую манеру, в основе которой лежало тонкое чувство взаимодействия цвета и света. В это же время происходит и окончательное формирование нового, по сравнению с XV веком, типа портрета, отражающего, по словам историка искусства Н. А. Белоусовой, внутреннюю, сосредоточенную и одухотворенную жизнь модели.

Особенно это относится к изображению так называемой Лауры, которое в настоящее время считается просто женским портретом. Нельзя сказать определенно, кем была женщина, изображенная Джорджоне. Реальная она личность или аллегорический образ. Некоторые исследователи полагают, что автор написал возлюбленную Петрарки Лауру (ибо звучание ее имени сходно с лавром, представленным на картине). Возможно также, что это венецианская поэтесса или сама муза поэзии. Впитавший дух современной ему Венеции, читающей, музицирующей, мыслящей, Джорджоне славился не только как замечательный живописец, но и как искусный певец, музыкант и знаток литературы. Изображенный позади героини благородный лавр — это священное древо Аполлона, покровителя муз.

Облик модели лишен ярко выраженной индивидуальности и приближен к идеалу, воплощающему такие общие черты человеческой натуры, как доброта, нежность, сдержанность, мечтательность. Появляющаяся из темноты, как прекрасное видение, Лаура облачена в ярко-красную, отороченную коричневым мехом мантию. На гладко зачесанных темных волосах — прозрачный белый шарф, конец которого, обвивая шею, падает на обнаженную грудь. Округлое лицо с черными, устремленными вдаль глазами показано, как и торс, в трехчетвертном повороте, создающем ощущение пространственной глубины. Мягкость светотеневой лепки, позволяющая передать само «дыхание» человеческого тела, рассеянный свет, наделяющий цвета удивительной силой и звучностью, — все как нельзя лучше соответствует духу модели, ясной цельности ее души, безыскусственной красоте и женственности.

Джорджоне (1476/1478(?)-1510) Три философа. Около 1508–1509. Холст, масло. 123,8x144,5

Об этой прославленной картине Джорджоне впервые было написано в «Заметках» венецианского любителя искусства Маркантонио Микиэля, который вспоминает, что в 1520 в доме Таддео Контарини он видел картину маслом, изображающую «трех философов в пейзаже, два стоят, один сидит, созерцая солнечные лучи». Сюжет этой загадочной и многозначной работы до сих пор вызывает споры исследователей. В настоящее время насчитывается около 30 его интерпретаций, основные сводятся к тому, что это персонификации трех возрастов человека (юности, зрелости, старости), трех эпох в истории мира (золотого, серебряного и железного веков) или диспут трех философов, воплощающих разные этапы развития науки — библейский, мусульманский и новоевропейский, уходящий корнями в греко-римскую древность. В последнее время большинство ученых склонны полагать, что изначально Джорджоне изображал ожидающих Вифлеемскую звезду волхвов, однако гуманистическое понимание этого евангельского мотива вполне может подразумевать и всю совокупность вышеназванных смысловых аспектов.

На полотне — величественный старец с длинной седой бородой в строгой монашеской рясе, зрелый мужчина в чалме, его руки заложены за пояс ярко-красного кафтана, и юноша с непокрытой, коротко стриженной кудрявой головой, сидящий прямо на земле, в одежде, напоминающей классический гиматий и тунику. При разнообразии костюмов и облика все они обуты в античные сандалии, что свидетельствует о принадлежности к единому миру тайного знания. Пребывая в состоянии глубокого сосредоточения, ученые мужи расположились на уступчатой каменной площадке среди скал, откуда открывается красивый вид на долину. Заходящее солнце окрашивает в розовато-золотистые тона небо и землю, лица и одежду людей, стволы и кроны мощных деревьев. Природа дышит умиротворением и покоем. Мудрецы замерли в раздумье и ожидании. Скоро потемнеет небо и оправдаются их расчеты — загорится необычайно яркая звезда, предвещающая приход в мир Мессии.

Лоренцо Лотто (около 1480–1556/1557) Портрет юноши. Около 1508. Дерево, масло. 53,3x42,3

Данная работа, написанная венецианским художником Лоренцо Лотто в ранний период творчества, свидетельствует о его выдающемся мастерстве портретиста. На небольшой по размеру и лаконичной по аксессуарам картине изображен рыжеволосый юноша в черной одежде. Его простой, аскетичный облик поражает удивительной для итальянской живописи остротой индивидуальной характеристики, заставляющей вспомнить приемы художников Северного Возрождения и, в частности, Альбрехта Дюрера, который во время создания данного портрета находился в Венеции. Лотто точно воспроизводит все индивидуальные особенности модели: широкие скулы, чуть нависшие веки, длинный с горбинкой нос, гладкую поверхность кожи и мягкость волос. Так же тщательно передана и фактура ткани белого узорчатого занавеса, который, служа фоном работы, еще сильнее подчеркивает характерность лица молодого человека и выгодно оттеняет малейшие цветовые нюансы. Однако в отличие от немецких и нидерландских портретов герой не замкнут в себе, а, напротив, активно обращен к зрителю. Жестким и пристальным взглядом юноша смотрит в упор, а его приоткрытые уста, кажется, вот-вот заговорят. Великолепно схвачены не только внешние черты, но и внутреннее состояние молодого человека. Он выглядит несколько сдержанным и высокомерным, но ему не откажешь ни в силе воли, ни в напористости. Следуя североевропейской традиции и желая усилить значимость образа, Лотто вводит в картину символический атрибут — горящий светильник, знак краткости земного бытия и свидетельство того, что портрет выполнен при жизни человека, а не посмертно.